Magnólia a flor da simpatia

As Magnólias são flores nativas dos Himalaias ao Japão, Oeste da Malásia, Leste da América do Norte, México e regiões tropicais. Existe desde os tempos pré-históricos, na China, o seu cultivo existe há pelo menos 1.400 anos.

A ciência botânica tem um interesse especial pelas magnólias, por apresentarem estruturas reprodutivas e anatómicas que se acredita serem extremamente primitivas em relação a todas as outras flores. E alguns estudos sugerem que as magnólias podem ser as primeiras flores que surgiram no nosso planeta, mas isso não é comprovado.

As flores de magnólia florescer com ousadia e são de grande porte. Os significados da magnólia incluem esplêndida beleza e magnificência. Flores de magnólia estão disponíveis numa variedade de cores e cada cor leva a um significado diferente. As magnólias brancas tem como significado pureza e perfeição. As flores de magnólia rosa significa juventude e inocência adicionado com alegria.

 

Na China, flores de magnólia são símbolos de pureza e nobreza. No Japão, a magnólia é usado como uma planta medicinal e ornamental. A flor é chamado Hanakotoba no sistema japonês de significado da flor. Isto significa que a flor é sublime, natural e demonstra amor por natureza. Magnólias estão associados com a força de vida e, por conseguinte, pode ser enviado por ocasião do nascimento.

A árvore de Magnólia é a árvore oficial do Estado do Mississípi, onde pode ser encontrada em grande número. E a flor também é a flor oficial do Estado do Mississípi e Louisiana.

O Mississípi ganhou o apelido de ‘Magnólia Estado “, devido à flor desabrocha abundantemente.








Em 1900 o legislador do Mississípi realizou uma eleição entre crianças em idade escolar para escolher uma flor do Estado, a magnólia venceu com uma vitória esmagadora. Impressionado o estado designou a flor como a oficial do Estado.

O seu aroma é agradável e penetrante. A casca das magnólias tem propriedades medicinais e é utilizada em cosmética pelo seu odor. A sua madeira é considerada preciosa, porque é sólida, resistente e fácil de trabalhar.

Basicamente, flor de magnólia está associada com a beleza e perseverança e também com nobreza e dignidade. 

Um “não manual” de moda para ajudar você a descobrir seu próprio estilo

Cris Guerra, do blog Hoje Vou Assim, lançou um "não manual" de moda e estilo.

Moda Intuítiva - Um “não manual” de moda para ajudar você a descobrir seu próprio estilo. Nele, ela relata sua experiência e aprendizado dos últimos seis anos dedicados ao assunto. Não é um guia de combinações e regras. Ele traz a proposta de enxergar como a moda e o estilo podem ser desenvolvidos por qualquer pessoa, combinando as tendências com a individualidade, o estado de espírito, e as informações de quem veste.

O livro traz a ousadia e a personalidade presentes em suas escolhas, instigando o leitor a se arriscar mais e se surprender . Ela mostra como cada um pode descobrir o seu estilo, e não comprar estilos prontos. Afinal moda também tem haver com gosto pessoal, beleza e acima de tudo autoestima.

 

Uma leitura deliciosa , terapêutica e libertadora !!!

Que me fez ver que não estou só no mundo , identificação total.

 

 

"Enquanto estivermos focados no outro, em como ele vive, se veste, o que consome, vamos satisfazer uma visão deturpada, e desejos nada influenciados por nós mesmos" (Cris Guerra)

Moda Intuitiva – Cris Guerra

Editora - Lafonte

O Coração

 

O coração é um órgão muscular oco, envolto por um saco cheio de líquido chamado pericárdio, localizado no interior da cavidade torácica. Sua função é bombear o sangue oxigenado (arterial) proveniente dos pulmões para todo o corpo e direcionar o sangue desoxigenado (venoso), que retornou ao coração, até os pulmões, onde deve ser enriquecido com oxigênio novamente

Com a falência do cérebro, uma pessoa é declarada clinicamente morta, embora outros órgãos possam continuar funcionando com a ajuda de equipamentos. Se o coração para, no entanto, nada mais funciona no organismo.

 

 

 

 

 

 

Reverenciado desde a Antiguidade, o órgão adquiriu uma forma para poetas e artistas no geral e outra para os cardiologistas.

Só não dá para entender como a imagem cultuada virou sinônimo daquele órgão de 12 centímetros de altura por 8 de largura, 300 gramas de peso, com formato de um punho, situado no meio do peito e tão querido pelos cardiologistas.

Para alguns, sua origem deve-se à semelhança com a folha da hera, que na Antiguidade representava o símbolo da imortalidade e do poder, e não é de hoje que o coração é associado às mais profundas emoções humanas.

 

 

Por volta do século 5 a.C., começa na Grécia Antiga um debate palpitante sobre a localização da alma. Explica-se: os gregos não concebem algo espiritual sem assinalar um lugar no corpo. Hipócrates, o mais famoso médico da Antiguidade, diz que a inteligência se encontra na cabeça. Platão discorda. Para ele, a alma imortal está na cabeça, mas a alma mortal, responsável pela inteligência e os sentimentos, está no coração.

Aristóteles contradiz essa separação. Só existe uma alma, afirma, e ela se encontra no coração, o centro do ser humano, o fogo interno que dá calor e vida. Fica assim estabelecido pelos séculos seguintes a primazia do coração.

Daí para a representação do amor romântico e ser utilizado na literatura e na música, foi um pulo.

Segundo o anatomista Liberato Di Dio, responsável pela mais recente reformulação dos nomes dos órgãos do corpo humano, o coração assumiu um papel primordial entre as culturas por ser o único órgão que se pode ouvir e sentir pulsar.

"Quando alguém passa por fortes emoções, o coração dispara e isso é possível de perceber", afirma Di Dio. Os batimentos cardíacos são um sinal de vida.

No século 19 e início do século 20, o coração dá sinais de cansaço. Grandes escritores como Balzac, Flaubert, Zola, evitam evocá-lo como sinal de amor. Porém os hippies virão resgatá-lo na década de 60 e logo o coração vai tornar-se um símbolo comercial e é hoje um dos ícones mais usados no mundo.

 

 

            Melhor do que ter uma grande beleza, é ter um grande coração - Leonardo da Vinci

Luz & Sombra - Conversas com Jimmy Page

Luz & Sombra - Conversas com Jimmy Page foi lançado em 2012, pelo editor-chefe da revista Guitar World, Brad Tolinski e publicado no Brasil pela Editora Globo. O livro é uma compilação de diversas entrevistas do jornalista com Page nas últimas duas décadas.

Construída a partir das palavras do próprio Jimmy Page , esta “autobiografia oral” é uma visão na primeira pessoa sem precedentes de um dos mais importantes músicos do rock.

Cobrindo toda a trajetória do músico, dos tempos trabalhando em estúdios até os dias de hoje, passando pelas parcerias com Paul Rodgers e David Coverdale, o livro procura deixar clara a importância de Page para o rock’n’roll, não só como instrumentista, mas também como produtor. Em certo momento, por exemplo, Tolinski informa aos leitores que uma das primeiras captações decentes do som de uma bateria foi idealizada por Page.

Se a ideia é saber mais sobre a vida pessoal de James Patrick Page esqueça: deixar isso de lado foi uma exigência desde as primeiras entrevistas. A infância e a adolescência do músico, portanto, são descritas em menos de dez páginas, deixando bastante curiosidade sobre a criação de Page. Os relacionamentos e excessos típicos de um rockstar são citados com bastante parcimônia pelo livro, sem sensacionalismo e sem grandes arroubos.

Antes de cada rodada de perguntas, “Luz & Sombra” apresenta pequenos capítulos introdutórios sobre a situação da carreira de Page em determinadas épocas, ajudando o leitor a contextualizar melhor as questões feitas por Tolinski.

Como bônus, o livro ainda traz entrevistas especiais feitas com amigos e parceiros de Page: Outro lendário guitarrista, Jeff Beck (The Yardbirds), o vocalista Paul Rodgers (Free, Bad Company e The Firm). Além de depoimentos dos músicos Jack White (White Striper), John Paul Jones (Led Zeppelin) e Chris Dreja (The Yardbirs). E uma conversa com o relações públicas do Led Zeppelin , Danny Goldberg que conta histórias do seu trabalho junto ao Led.

Outro destaque são matérias aleatórias e deliciosas como um inventário de suas guitarras, amplificadores e efeitos  e um depoimento do estilista John Varvatos sobre a influência  de Page na moda masculina e até mesmo um mapa astral do músico.

“Luz & Sombra” dá muito foco às guitarras: páginas e páginas são gastas comentando riffs, solos e texturas do instrumento, prato cheio para Guitarristas e músicos . Quem nunca segurou uma palheta na mão como é o meu caso, só vai se frustrar com a leitura recheada de termos técnicos se não for um amante do bom e velho Rock na Roll .

É indispensável ler mais essa biografia dos mais de cinqüenta anos do guitarrista, compositor e produtor Jimmy Page.

A Caveira e suas funções.

A caveira é a estrutura óssea da cabeça humana e de muitos animais que suporta as partes da face e forma a cavidade que aloja o cérebro. É composta de duas partes: o crânio e a mandíbula; sem a mandíbula, a caveira é somente um crânio.

Nos seres humanos, o crânio adulto é normalmente composto de 22 ossos. Exceto a mandíbula.

O crânio é o esqueleto da cabeça, e é constituído pelo neurocrânio e pelo esqueleto da face. O neurocrânio (caixa do cérebro) fornece um invólucro para o cérebro e as meninges escefálicas (membranas que recobrem o cérebro), partes proximais dos nervos cranianos e vasos sanguíneos.

As maxilas e a mandíbula alojam os dentes, isto é, fornecem cavidades e osso de suporte para os dentes maxilares e mandibulares. As maxilas formam o esqueleto do maxilar superior, que está fixado na base do crânio. Em geral, as maxilas contribuem para a maior porção da parte superior do esqueleto da face. A mandíbula forma o esqueleto do maxilar inferior, que é móvel porque se articula com a base do crânio nas articulações temporo-mandibulares.

Além da proteção do cérebro, o crânio tem a função de fixação da distância entre os olhos para permitir a visão estereoscópica, definição da distância entre as orelhas para ajudar o cérebro a usar as pistas auditivas para julgar a direção e a distância dos sons.

 

 

Com tanto benefícios e importantes funções, porque associar a uma estrutura do corpo humano à morte e medo?

　

　
　

O Preto é a cor do Rock?

Antes de tudo, vale lembrar que preto não é uma cor, e sim a ausência de luz. Enfim, vamos ao que interessa.

Apesar de o preto ter uma forte relação com o nosso amado rock and roll, não são todos os seus tentáculos que fazem uso dele. Seu passado é multicolorido e irreverente

O que importa é que esse termo acabou ocasionando um mal-entendido quanto às cores do rock, fazendo com que se pense que esse estilo seja negro. O que não tem nada a ver!

Vamos fazer uma retrospectiva:

Vamos inciar com três dos maiores nomes do gênero: Elvis Preslei, Beatles e Rolling Stones.

Alguém se recorda dos filmes que Elvis fazia no Hawaii, tocando e cantando na praia, com camisetas floridas e colares havaianos? E do seu inesquesivel macacão branco bordado. Sua majestade Elvis Presley é o “rei” incontestável e incondicional do rock!!!

 

 

 

 

Tomemos a maior e mais relevante banda de rock de todos os tempos, “The Beatles”, como outro exemplo claro da colocação do rock: Vejam o álbum “Sargent Peppers” e dêem uma olhada o quanto é colorida a sua capa. Outro de seus discos de destaque é o “Yellow Submarine”

Rolling Stones, uma das bandas de maior longevidade de todos os tempos, tem como símbolo uma boca aberta com a língua de fora e em vermelho gritante! Uma das mais reconhecidas e famosas logomarcas da história da humanidade! Novamente sem contar de toda a riqueza musical, nada monocromática, dessa banda antológica .

 

 

 

Tudo bem você pode falar que não estou dando exemplo de bandas de rock metal e suas derivações e que são inclinadas para o negro.

 

 

Porém o passado de várias grandes bandas não era tão negro assim: 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

O Importante não está na cor, e sim nas mensagens que as bandas passam. As cores de antigamente saíam de um balde e pintavam o mundo com uma forma de se expressar, protestar e, até mesmo, de demonstrar seu amor por uma garota.

E não tenham medo de colocar as cores do rock, porque de “pálido” ele não tem nada.

Artesanato está na Moda.

A palavra arte pode assumir várias significações na linguagem.Ela pode representar uma forma de produção quando se desenvolve na procura do útil ou uma forma de expressão se desenvolve na procura do belo.

Tal como nos fala Aristóteles a arte pode ser entendida como: arte mecânica, técnica, arte de fazer ou simples ofício.

O Artesanato é essencialmente o próprio trabalho manual ou produção de um artesão (de artesão + ato)

Podemos considerar que o artesanato tradicional as técnicas mais antigas e clássicas de artesanato como tricô, crochê, tecelagem, pinturas, cerâmica, papietagem, origami.

As técnicas são infinitas, mas o principal é manter a essência da técnica e do material utilizado. O artesanato tradicional é feito a mão, o artesão tem total controle do que está sendo produzido e as peças são únicas, pois cada vez que forem feitas sofrem o efeito das mãos do artesão que podem variar de acordo com sua emoção no dia da confecção. Por mais parecidas que sejam, as peças artesanais possuem características próprias, seja um ponto a mais, um traço mais forte ou uma tonalidade diferente.

Não devemos confundir padrão com uniformidade. Embora padronizada, cada peça feita à mão é única, não se confunde com nenhuma outra, nem da mesma espécie, ainda que tenha sido elaborada no mesmo dia e pela mesma pessoa.

O estilo do artesão empresta originalidade a seus objetos, como que a marca pessoal, enquanto o padrão é a marca do grupo. Cada artesão escolhe um estilo, mas não deixa de ser influenciado pelo ambiente (a natureza) em que vive e pelos modos de vida própria da área cultural que pertence.

 

É comum confundirmos artesanato com rusticidade mas é importante observar que neste regime de trabalho fazem-se tantos objetos rústicos como bem-acabados, pois o artesanato se define pelo processo de produção de objetos e não pelas qualidades práticas que pode ser emprestada a este no ato de fazer.

A valorização do artesanato como objeto de consumo passa a ser ao mesmo tempo uma fórmula contra o risco de extinção da atividade e uma forma de satisfação ao desejo gerado na sociedade pós-industrial.

 

Entre os elementos que contribuem para o lançamento dos referenciais simbólicos do artesanato está a moda. Sendo assim, a Moda identifica uma necessidade social (a da distinção) e a supre tornando-a um desejo generalizado.

 

 

 

 

Este crescimento do mercado de moda no Brasil tem promovido o artesanato nacional e projetado o trabalho de artesãos, permitindo-lhes a comercialização de suas produções e o empreendedorismo do setor.

Parece que cada vez mais os detalhes artesanais que deixam as roupas com cara de feitas à mão se destacam no mundo fashion. Essas peças remetem ao conforto, por isso podem ser usadas em vários momentos e ocasiões.

 

Estilistas como Walter Rodrigues e Ronaldo Fraga já apresentaram em suas coleções essa relação entre moda e artesanato. Ronaldo Fraga trabalha constantemente com comunidades de artesãos e a cada coleção é possível identificar a cultura nacional traduzida pela moda brasileira.

 

 

 

A consultora de moda e responsável por um grande movimento de sustentabilidade, Chiara Gadaleta, mostra no site Ser Sustentável com Estilo diversos projetos que unem moda e artesanato, e a preocupação com a sustentabilidade na moda.

O artesanato está na moda e a moda se utiliza do artesanato.